Abr
24

2017/04 - Santiago Rusiñol y los jardines

Autor // ARTENED

El Museu del Modernisme de Barcelona presenta una nueva exposición temporal para dar a conocer uno de los aspectos más singulares y más queridos del pintor Santiago Rusiñol: los jardines.



 

La exposición Santiago Rusiñol, Jardines de España, es un homenaje a la figura del pintor (Barcelona, 1861 – Aranjuez, 1931), a su pasión por la naturaleza y la pintura de jardines. Fuente de Narciso - AranjuezEn 1903 Rusiñol creó el álbum Jardines de España, una compilación de 40 láminas de sus cuadros que seleccionó él mismo uno a uno, incluyendo poemas de autores como M. Machado, E. Marquina, J. Alcover, R. Pérez de Ayala, Juan R. Jiménez, M. Costa y Llobera, A. Mestres o J. Maragall, entre otros. Esta temática fascinó al pintor y se complementa con el lirismo de palabras poéticas: jardines que son las reliquias de un mundo de grandeza, espacios de imaginación y de evasión.

Rusiñol consideraba estos cuadros que forman parte del álbum como el ‘néctar de su Modernismo’. De hecho se consagró con la pintura de esta temática, a la cual dedicó gran parte de su vida. Los jardines de España son los jardines del alma del artista, sus creaciones más personales y más estéticas que resumen toda una vida dedicada al arte y a la belleza.

Buen conocedor de su realidad, se dedicó a reunir fragmentos de esta época alrededor de una temática, los jardines. El jardín no es más, para él mismo y para el resto de artistas, que la metáfora en clave natural de la incidencia humana sobre nuestro entorno, un reflejo de intimidades y del sentir del ser humano. La trascendencia de estos paisajes da pie para mostrar al artista todo aquello que quiere expresar, que le mueve ante lo que está observando. Obviamente, de diferentes maneras: con el pincel, con la pluma, con los sonidos.

RosersLa exposición, que se llevará a cabo desde el 23 de marzo hasta el 9 de julio, está comisariada por la experta Mercedes Palau-Ribes y cuenta con el asesoramiento de Francesc Fontbona y Josep de C. Laplana. Se centra en mostrar la otra vertiente de la pintura de Rusiñol, la visión de los jardines que el pintor recogió a lo largo de su vida y que resultan sus creaciones más estimadas.

La exposición gira en torno a cuatro bloques temáticos: el álbum Jardines de España, la luz, el agua y la arquitectura de jardines. El discurso se centra en la comparativa artística y paisajística entre los diferentes jardines de poblaciones diversas de la península, que el artista pintó a lo largo de su vida.

Estos jardines que nos rodean en las salas del museo ofrecen, además, un recorrido por el carácter viajero de Rusiñol: las diferentes tierras que visitó, los colores que le enamoraron, los perfiles y las naturalezas escogidas por sus composiciones y el simbolismo los elementos que aparecen como una constante en sus cuadros. Se establece, por tanto, una relación estética y técnica entre territorios tan heterogéneos como Granada, Aranjuez, Mallorca, Valencia o Barcelona.La luz cegadora del Mediterráneo, la decadencia de palacios viejos de un pasado glorioso, las tonalidades del otoño castellano, o la fantasía de la naturaleza isleña.

Con esta muestra recuperamos la obra que fue punto de partida del reconocimiento artístico de Santiago Rusiñol. Conforma la colección de estos jardines una setentena de sus mejores obras, hoy dispersa, y reunidas para esta ocasión en su mayor número, por primera vez en el Museo del Modernismo de Barcelona. Es fundamental tener en cuenta el esfuerzo que supone reunir la obra de Jardines de España en una misma exposición; una labor de investigación, de localización minuciosa de las pinturas, una a una, y traerlas con el fin de agruparlas como Rusiñol las reunió en su tiempo.

Arte y literatura se dan la mano en una exposición que quiere rendir homenaje al sentir de las artistas modernistas. Un diálogo, pues, entre contemporáneos del Modernismo y un acercamiento al corazón del artista Rusiñol.

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Abr
24

2017/04 - Museo Reina Sofía. El camino a Guernica

Autor // ARTENED

Esta exposición, titulada Piedad y terror en Picasso. El camino a Guernica, quiere contribuir a un conocimiento mayor del cuadro más famoso de Picasso: su origen, las exposiciones en las que ha participado, el uso propagandístico que de él se ha hecho, así como su lugar dentro de la Historia del Arte.




Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?.

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror?.


Formando parte de esta exposición, y como contrapunto histórico a ella, se presenta una selección de los resultados del proyecto de investigación Fondo Documental Guernica, referido al período 1937-1949. El propósito de este proyecto, iniciado en otoño de 2015, es reunir y estudiar la mayor documentación y referencias posibles (correspondencia, fotografías de instalación, documentos gráficos, audiovisuales, artes plásticas) en relación con la obra más emblemática de la Colección.

Este fondo documental quiere contribuir a un conocimiento mayor del cuadro: su origen, las exposiciones en las que ha participado, el uso propagandístico que de él se ha hecho, así como su lugar dentro de la Historia del Arte. También muestra de qué modo Guernica supera su propia fisicidad y, en su reconocimiento, se hace inseparable su valor artístico del político.

Con el apoyo excepcional del Musée national Picasso-Paris. [ + INFO ]

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