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La presente Madonna con el Niño, fechable hacia 1420, constituye un magnífico ejemplo de esta etapa de madurez artística. La atribución al maestro veneciano se sustenta en las numerosas similitudes estilísticas, iconográficas y morfológicas que la obra presenta con otras composiciones universalmente aceptadas dentro de su catálogo, especialmente con la Madonna col Bambino conservada en el Museo Correr de Venecia, donde se aprecian idénticos estilemas en la construcción de los rostros, la configuración almendrada de los ojos, el tratamiento lineal de los pliegues y la delicada relación afectiva entre la Virgen y el Niño. Del mismo modo, guarda una estrecha relación con la Virgin and Child conservada en los Fine Arts Museums de San Francisco, tanto en la disposición compositiva como en la concepción de los nimbos y la ornamentación de las superficies doradas. Jacobello bebe directamente de la tradición iconográfica bizantina, especialmente de los modelos marianos difundidos en Venecia a través de sus estrechos contactos con Oriente.

La composición deriva del tipo de la Eleusa o Virgen de la Ternura, en la que María sostiene al Niño en una actitud íntima y afectiva que enfatiza el vínculo maternal entre ambos. Este modelo, heredado de Bizancio, es reinterpretado por el artista según la sensibilidad del Trecento y del primer Quattrocento italiano, manteniendo cierto hieratismo en las figuras al tiempo que introduce una mayor cercanía emocional entre Madre e Hijo. La escena se desarrolla sobre un amplio fondo de oro trabajado mediante técnicas de punzonado y esgrafiado, elementos característicos de la pintura veneciana tardogótica. Particularmente notable resulta el tratamiento de los nimbos de la Virgen y del Niño, decorados con complejos motivos florales punzonados que generan formas lobuladas de gran riqueza ornamental, un recurso recurrente en algunas de las obras más refinadas del maestro y que constituye uno de los elementos más distintivos de su lenguaje decorativo. La Virgen aparece ataviada con un amplio manto azul sujeto por un broche sobre el pecho y cubriendo la cabeza, bajo el cual se aprecia una fina veladura translúcida. La superficie del manto está enriquecida con delicados motivos vegetales de inspiración palmiforme realizados mediante esgrafiado, reflejando el gusto por el preciosismo decorativo propio de la pintura veneciana de la época. Bajo el manto azul emerge la túnica roja, color que en la iconografía cristiana alude a la futura Pasión de Cristo.

El Niño Jesús sostiene entre sus manos una manzana dorada, atributo simbólico que remite al pecado original cometido por Adán y Eva y, al mismo tiempo, a la misión redentora de Cristo como nuevo Adán, destinado a restaurar la salvación de la humanidad mediante su sacrificio. Asimismo, la delicada tela translúcida que envuelve parcialmente la figura del Niño, ejecutada mediante sutiles veladuras, anticipa simbólicamente tanto su naturaleza humana como los acontecimientos de la Pasión que marcarán su destino.

Procedencia: Toledo Museum of Art, Toledo (Ohio, Estados Unidos); actualmente, importante colección privada italiana. Lote en almacén internacional (dentro de la UE).

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Precio de salida: €75.000

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